Accademia di Belle Arti di Carrara
specializzazione marmo bronzo
Thèse de magistrale de sculpture à l’Accademia di Belle Arti di Carrara 28 juin 2024 avec 110 points & Lode 🎓🤍
Rapporteur de thèse Annamarie Ducci
Co-rapporteurs Stefano Castelli e Francesco Cremoni
Théorie: Mademoiselle Claudel, Dal frammento all’opera Sakountala
Sculpture: Origine, oeuvre symboliste en marbre blanc de Carrare sur marbre noir de Belgique
Article sur la Sculpture Origine texte bilingue
Pourquoi un coquillage? Si vous savez pourquoi on les ramasse à la plage vous avez un début de réponse. C’est tout simplement beau. Depuis l’origine des temps les hommes les ont ramassés et assemblés, des colliers préhistoriques jusqu’aux trésors d’orfèvrerie plus contemporains. Même les plus abîmés nous séduisent, fragments et évanescence de beauté, le coquillage porte en soi bien des mots qui nous caractérisent. Sa forme à spirale est une invitation de parcours, croissance de l’être et apprentissage qui semble ne jamais finir: Ancora Imparo dixit Michelangelo, le non-fini emprunt d’éternité. Je sais que je sais rien, j’ai encore tant à apprendre. La forme matérielle ne se limite pas à incarner ce qu’elle représente dans sa forme, le lent mouvement de croissance du coquillage naturel symbolise, dans sa transcription matérielle sculptée dans le marbre, différents concepts de l’esprit. Le clin d’œil à L’Origine du Monde de Courbet n’est pas innocent, et la sensualité de la forme ainsi que de la manière de travailler sa superficie le sont encore moins. J’ai offert une perception en ronde bosse à 360° à laquelle s’ajoute son reflet, avec des différences tactiles et visuelles, certaines variations ne sont perceptibles que de très près ou bien au toucher. La scénographie du coquillage installée sur un plan monochrome rappelle La Coquille d’Odilon Redon, c’est une œuvre qui doit être présentée au public dans une pièce nue. La rencontre de certaines idées avec le public nécessite le calme et la sérénité de l’intime pour éclore, on doit offrir le temps necessaire à la découverte et au plaisir de l’évasion. Chaque plan est travaillé pour lui même en harmonie avec les autres, les signes se suivent et changent, dans une spirale blanche de Carrara qui se reflète dans les abysses noires du marbre Belge. La matière de réception du concept, quel qu’il soit, est un choix qui doit être artistique. La grande différence entre le coquillage naturel qui a servi de modèle et l’oeuvre symboliste, réside dans la perception qu’offre le marbre. Regarder un coquillage, c’est regarder l’oeuvre de la Nature. Regarder un coquillage en marbre c’est regarder l’oeuvre de l’homme qui regarde la Nature. Le mystère est le principal symbole de cette sculpture qui, tel un astre dans le cosmos, n’a d’autre vocation que de nous inviter a une interaction sereine. En la regardant, il est qui songe à Venere naissant adulte dans un coquillage, ou encore qui songe à l’érosion de l’eau substituée par la main du sculpteur qui agit sur la matière. J’ai vu qui se penche sur l’oeuvre pour écouter la mer, et qui tourne autour en regardant les reflets, et qui ne sait résister à la tentation d’une caresse, certains m’ont raconté leur expérience à la mer et décrit ceux qu’ils aiment ramasser. Cette oeuvre suscite en chacun l’éveil des sens selon sa sensibilité et histoire personnelle.
Origine. 2024. Oeuvre symboliste en marbre de Carrara sur marbre noir de Belgique. Thèse le 28 juin 2024. Accademia di Belle Arti di Carrara. Catherine Mienville
Perché una conchiglia? Se sai perché le raccogliamo in spiaggia hai l’inizio di una risposta. È semplicemente bella. Fin dalla notte dei tempi gli uomini le hanno collezionate e assemblate, dalle collane preistoriche ai tesori orafi più contemporanei. Anche le più danneggiate ci seducono, frammenti ed evanescenze di bellezza, la conchiglia porta dentro di sé tante parole che ci caratterizzano. La sua forma a spirale è un invito al viaggio, alla crescita dell’essere e all’apprendimento che sembra non finire mai: Ancora Imparo secondo Michelangelo, il non-finito intriso di eternità. Lo so, non so nulla, ho ancora tanto da imparare. Non si limita a incarnare ciò che rappresenta nella sua forma, il lento movimento di crescita della conchiglia naturale simboleggia, nella sua trascrizione materica scolpita nel marmo, diversi concetti e pensieri. Il riferimento all’Origine du monde di Courbet non è innocente, e lo sono ancora meno la sensualità della forma e il modo di lavorarne la superficie. Ho offerto una percezione a 360° a tutto tondo a cui si aggiunge il suo riflesso, con differenze tattili e visive, alcune variazioni sono percepibili solo da vicino o al tatto. La scenografia della conchiglia posta su un piano monocromo ricorda La Coquille di Odilon Redon, è un’opera che deve essere presentata al pubblico in una stanza nuda. L’incontro tra certe idee e il pubblico richiede la calma e la serenità dell’intimo per sbocciare, bisogna offrire il tempo necessario alla scoperta e al piacere dell’evasione. Ogni piano è lavorato da solo in armonia con gli altri, i segni si susseguono e cambiano, in una spirale bianca di Carrara che si riflette nell’abisso nero del marmo del Belgio. Il materiale che accoglie il concetto, qualunque esso sia, è una scelta che deve essere artistica. La grande differenza tra la conchiglia naturale che serviva da modello e l’opera simbolista sta nella percezione offerta dal marmo. Guardare una conchiglia è guardare l’Opera della Natura. Guardare una conchiglia di marmo è guardare l’opera dell’Uomo che guarda la Natura. Il mistero è il simbolo principale di questa scultura che, come una stella nel cosmo, non ha altro scopo se non quello di invitarci ad un’interazione serena. Guardandola si pensa a Venere che nasce adulta in una conchiglia, oppure si pensa all’erosione dell’acqua sostituita dalla mano dello scultore che agisce sulla materia. Ho visto chi si china sull’opera per ascoltare il mare, e chi gira attorno per osservare i riflessi, e chi non resiste alla tentazione di una carezza, alcuni mi hanno raccontato la loro esperienza al mare e descritto le conchiglie che preferiscono. Quest’opera suscita in ognuno il risveglio dei sensi secondo la propria sensibilità e storia personale.
Origine 2024. Opera simbolista in marmo di Carrara su base di marmo nero del Belgio. Tesi il 28 giugno 2024. Accademia di Belle Arti di Carrara. Catherine Mienville
Variations sur le thème autour du mythe de la Venere et de la croissance. Venere naît déjà adulte, alors que la jeunesse est un aboutissement avant la grande aventure de la vie d’adulte. La modèle pour ces recherches est ma nièce Eleonore.
Du fragment à l’œuvre et non pas de l’œuvre au fragment, faire le chemin inverse, remonter le temps dans une analyse profonde. Ma thèse de magistrale de sculpture est une étude du groupe Sakountala de Camille Claudel. Centrer cette oeuvre dans un ensemble de recherches, dans un voyage à travers l’histoire et l’histoire des techniques des arts, permet de prendre conscience de la synthèse qu’il contient, et cela malgré l’état fragmentaire du modèle. C’est probablement en quête de mes origines que j’ai travaillé, de l’origine culturelle et par conséquent de la voie dans laquelle je souhaite situer ma sculpture quelque part entre Florence et Paris. Grâce au verbe de la sculpture contenu dans l’oeuvre fragmentaire du groupe Sakountala, j’ai développé chaque aspect pour lui même, et cherché à comprendre Claudel au delà de la première lecture. Tout d’abord j’ai exposé le conteste historique de l’auteur, entre le symbolisme et l’orientalisme entre autres, et identifié l’hérédité des maîtres du passé, dont les Neo-florentins, pour relier cette oeuvre contemporaine à l’histoire des arts grâce au jeu de piste contenus dans les formes et la gestuelle des protagonistes dont l’origine prend racine jusque dans les oeuvres antiques en passant par la renaissance florentine. Ces recherches m’ont amené à d’autres rencontres tels Octave Mirbeau, Matthias Morhardt, Paul Claudel, ou mieux encore rencontrer Camille dans ses correspondances. Le guide du Musée Camille Claudel à Nogent sur Seine écrit par l’historienne Françoise Magny est très intéressant pour sa richesse d’informations sur l’ensemble des oeuvres y compris sur les Neo-florentins et d’images d’époque, et offre un point de départ pour l’étude des maîtres Boucher Dubois et Rodin. Bien évidement j’en recommande la visite tout autant que celle des musées Rodin et Orsay. Ce prochain mois de septembre Nogent accueillera une exposition consacrée au groupe Sakountala, a cure de Cécile Bertran directeur du musée Camille Claudel, et à l’occasion regroupera autour du modèle original habituellement conservé à Châteauroux un ensemble d’oeuvres qui lui sont reliées. L’idée de les voir ensemble est une perspective réjouissante. Observer Sakountala consiste à l’écouter nous narrer le parcours de son auteur, nous parler des lectures de textes et d’images qui ont nourri Camille, ses influences et sa culture, et enfin sa capacité à restituer dans son art la profondeur de sa pensée. J’ai espoir d’un futur, d’une voie dans laquelle pourront se trouver les jeunes gens en quête d‘idéal dans la sculpture et qui sauront reconnaître en Camille Claudel le maître qu’elle aurait dû être. La voie qu’elle aurait dû incarner et ouvrir jusqu’à nous, dans la lignée de l’art figuratif qui la trouve après Fidia Donatello Leonardo Michelangelo … Rodin. Si Maillol, Bourdelle, et d’autres talentueux sculpteurs ont ouvert des voies vers notre contemporain, Claudel manque à l’appel. Mademoiselle Claudel n’est pas une muse, elle est la voie brisée, comme Desiderio da Settignano décédé trop tôt après Donatello, elle est la grâce interrompue de notre siècle, le maestro manquant.
Mienville. Thèse de sculpture. Laurea magistrale, Accademia di belle Arti di Carrara, 28 juin 2024, 110Lode.
Origine. Le marbre que j’ai réalisé en accompagnement de cette thèse est une oeuvre symboliste qui fait référence à La Vague de Claudel et à La Coquille d’Odilon Redon entre autres, et qui invite celui qui la regarde à l’introspection à la recherche de l’origine du beau et de la relation que chacun entretient avec la Nature.
Lire l’article concerné « Origine«
Portrait dédié à Camille Claudel. En observant les photographies historiques qui la représentent ainsi que celles des portraits que lui fit Rodin et en utilisant les proportions réelles d’une personne vivante, j’ai modelé une interprétation personnelle de l’idée que je me fais d’une personne qui dédie sa vie à son art. Une personne dont la pensée et les mains sont en parfaite communion avec le coeur qui les anime. La symbolique de ce portrait regroupe aussi bien l’allegorie de la sculpture et l’estime que je porte à Mademoiselle Claudel, femme sculpteur à qui j’ai consacré ma thèse de magistrale. Ma sculpture est armée d’une gradina, burin à dents, dans un geste de défi devenu archetype et emprunté à Michelangelo. L’ensemble des signes contenus dans ce portrait forme un lien entre nos deux cultures. L’oeuvre en elle même est par conséquent l’évocation du lien culturel transfrontalier qui court (pas seulement dans mes veines étrusques) dans ce qui se reflette dans mon travail en général. Selon Cesare Ripa, l’allegorie de la sculpture comporte certains attributs, j’ai en quelque sorte mis à jour ces attributs avec des outils contemporains, mais pas seulement: Ripa décrit la sculpture comme une muse qui pose à côté de l’oeuvre tandis que je la décris comme une action dont l’oeuvre est contenue dans sa pensée. La version en grandeur naturelle est en construction mais déjà bien avancée. La structure interne de la figure entière a été faite en cours de sculpture avec Mattia Dorici alors que la version partielle du portrait a été faite en cours de technique de la sculpture avec Stefano Castelli, tous deux professeurs de l’Académie des Beaux Arts de Carrara. Leur générosité et leurs compétences m’ont permis de projeter cette oeuvre que j’aimerais beaucoup exécuter dans le marbre ou au moins en bronze un jour. Toute seule et avec mes moyens je pourrai faire le portrait en bronze ou en marbre, mais il faut une logistique particulière et beaucoup de sous pour une oeuvre monumentale.
#allegoria #camilleclaudel #scultura #sculpture #portrait
Cesare Ripa Iconologia
La Speranza. Il ritratto, fatto a Simona Scarcelli nel 2022 all’Accademia di Belle Arti di Firenze, è stato tradotto in gesso in formatura all’Accademia di Belle Arti di Carrara, dallo stesso calco si è fatto un positivo in cera di fonderia. Si può dire que questa opera in particolare rifletta la speranza anche nel percorso scolastico tra le due Accademie. Il bronzo è stato fuso in aula di fonderia con Andrea Barsi, ho fatto le rifiniture scegliendo di dare via libera al risultato dovuto all’incidente di cottura del loto in forno: l’aspetto spugnoso sulla fonte e nei capelli. Mi ricorda le conchiglie rovinate dal tempo e dagli organismi naturali, siccome fosse rivenuto da qualche abissò. L’assenza di elemento ornamentale che la potrebbe legare al nostro contemporaneo le conferisce una dimensione fuori tempo, sembra recuperata al fondo del mediterraneo in qualche barca romana. La casualità del suo aspetto plastico non guasta, e ci gioco, mi piace fare una patina verde che ricorda l’antico. Ringrazio il professore Andrea Barsi per la fusione e la patina di quest’opera che per me è eccezionale, unica, testimonia dell’esperienza accademica.
La base è un marmo statuario della cava Michelangelo a Carrara, le cui venature sono in armonia con il bronzo. L’ho fatto a occhio quindi è un quadrato che non ha due misure uguali, l’imperfezione sembra essere una particolarità intrinseca a quest’opera che la rende cosi eccezionale.
Nelle atre pagine sul sito potete vedere le tappe precedenti in cera con la realizzazione della gabbia per fonderia anziché la fusione.
Fusione Fusione del bronzo in Accademia
Cera Ritratto in cera per la fusione
Formatura Formatura, ritratto « la speranza »
Ritratto in creta con Simona Ritratto di Simona Scarcelli
Lavorazione del bronzo in Accademia di Belle Arti di Carrara.
Modello fatto nel 2021 in terracotta in Accademia di belle Arti di Firenze.
L’altorilievo Sguardo di Nettuno è il risultato di una riflessione sul tema dell’identità culturale. Mi sono ispirata al Nettuno di Vital Dubray di Ghisoni, monumento del 1856 che troneggia sulla fontana el paese. Il mio lavoro è fatto di un bronzo di rame e stagno, classica lega per il bronzo artistico. Quando ho scelto di lavorare sul tema dell’identità stavo a Firenze, dove lo sguardo del David simboleggia la sfida del popolo fiorentino di fronte ad eventuali nemici. Non sto parlando del David come emblema della scultura e dell’arte nella dimensione internazionale che ha ormai conquistato, ma del simbolo iniziale, quello della sfida e del simbolo della comunità. Mi sono ricordata che il nostro Nettuno ha uno sguardo tenebroso ed è difficilmente percettibile, quindi ho ricercato in particolare lo sguardo per restituirlo nel altorilievo, una sorte di scatto scultoreo, che offre una fruizione intimista in paragone alla scultura monumentale. Il ritratto è un modo per avvicinarsi all’opera. Il mio modellato è sensibilmente diverso dell’originale, per via del passaggio dal tutto tondo ad un altorilievo già, ma anche perché non ho lavorato ne in scala ne alla ricerca di perfezionismo mimetico. Mi interessava sopratutto lo sguardo secolare come simbolo di una comunità. Le nostre nonne andavano a Funtanone prendere l’acqua da trasportare sulle loro teste, generazioni di ghisonesi l’hanno ammirato e amato come simbolo del paese. Quest’opera esiste in cotto, in gesso, e ora in bronzo.
Post di Blog sul Nettuno in creta di 2021 Neptune
Post di Blog sulla versione in gesso di 2023 Neptune
Travail du bronze à l’Académie des Beaux-Arts de Carrare.
Modèle réalisé en 2021 en terre cuite à l’Académie des Beaux-Arts de Florence.
Le haut-relief Regard de Neptune est le résultat d’une réflexion sur le thème de l‘identité culturelle. Je me suis inspiré du Neptune de Vital Dubray de Ghisoni, un ronde bosse monumental en fonte de fer de 1856 qui trône sur la fontaine du village. Mon haut-relief est réalisée à partir d’un alliage de cuivre et d’étain en mesure classique pour le bronze artistique. Lorsque j’ai choisi de travailler sur le thème de l’identité, j’étais à Florence, où le regard de David symbolise le défi du peuple florentin face à d’éventuels ennemis. Je une parle pas de David comme emblème de la sculpture et de l’art dans la dimension internationale qu’il a conquis depuis, mais du symbole de départ, celui du défi et du symbole de la communauté. Je me suis souvenue que notre Neptune a un aspect sombre et son regard est difficile à percevoir, j’ai donc particulièrement recherché le regard pour le transmettre dans le haut-relief qui offre une perception plus intime par rapport à la sculpture monumentale. Le portrait est une manière d’aborder l’œuvre de façon plus intimiste. Mon interprétation est sensiblement différente de l’original, du fait du passage du ronde bosse au haut-relief déjà, mais aussi parce que je n’ai pas travaillé à l’échelle ni par recherché de perfectionnisme mimétique. J’étais particulièrement intéressé par le regard séculaire en tant que symbole d’une communauté. Nos grands-mères allaient à Funtanone chercher de l’eau à porter sur leur tête, des générations de Ghisonaises l’ont admiré et aimé comme symbole de la ville. Cette œuvre existe en terre cuite, en plâtre, et désormais en bronze.
#ghisoni #corse #corsica #corseorientale #sculpture #scultura #culture
Animazione del lavoro in itinere dall’inizio in novembre 2022 fino a oggi a maggio 2024. Accademia di belle Arti di Carrara. Corso di tecniche del marmo di Francesco Cremoni.
Opera: Giovane Scultore Accademico articolo dedicato
Marmo di Carrara
Non finito
Moto della ipotetica Accademia di Belle Arti di Corsica inventata all’occasione del progetto di arte concettuale Accademia di Belle Arti di Corsica fatto l’anno scorso. Il marmo di recupero della cava di riserva per il Duomo di Milano è leggermente beige, ed è molto cristallino con grana poco fine, non è tanto adatto alla scrittura. Tenevo a utilizzarlo per il simbolo contenuto: il marmo di un luogo sacro per il moto di un accademia che non esiste, siccome il marmo contenesse una preghiera.
Opera in marmo di carrara. In itinere. Iniziato al rientro 2022 in tecnica di marmo all’Accademia di belle Arti di Carrara, questo ritratto non è finito, il tempo accademico essendo quello che è : frammentato!!! Ora che si avvicina al fine del mio percorso a Carrara, accetto l’idea che finirò il lavoro a casa, il più importante essendo di avere imparato al lavorare in tutti i modi, sia con il flessibile che col martello pneumatico e non solo a mano. La tecnica utilizzata è la presa di punti con la macchinetta, pantografo a tre snodi, che riporta ogni punto spaziale dal modello in gesso al blocco di marmo.
Riferimento a Courbet Le désespéré in una chiave più serena, il giovane scultore accademico essendo affiancato alla Speranza . Vedere altri post sull’argomento su questo sito in categoria scultura.
Lien vers l’annonce de vente du temps académique en bocal sur Marketplace de Facebook:
https://www.facebook.com/marketplace/item/1152639745727231/
Da Franco Cervietti a Pietrasanta, mi è stato chiesto di portare al termine un marmo smodellato a punti, il busto del Bacco di Sansovino. La parte del lavoro che mi piace di più è esattamente quella, scolpire e rifinire, liberare le sfumature, accentuare le espressioni, creare l’incarnato. Fare uno stage in laboratorio privato mira a mettere le conoscenze scolastiche in pratica nel mondo del lavoro, e a raccoglierne delle specifiche. Con i consigli dei maestri d’arte e scultori esperti, imparo a riprendere il lavoro in itinere di realizzazione, a scegliere bene ogni attrezzo secondo il risultato spettato, e a portare al termine il busto per trarne un modellato plasticamente piacevole che rispetti l’espressione dell’autore. Il busto in torsione offre una plastica di sé già complessa e piena di sfumature delicate. Alla qualità del marmo si aggiunge la bellezza delle forme. Un lavoro da sogno!
Ringraziamenti ai fratelli Cervietti e ai scultori del laboratorio.
